Reseña: Solaris (1972)

Andrei Tarkovsky presenta al espectador, desde los primeros minutos de Solaris, el estilo cinematográfico al que será sometido en las próximas casi tres horas de duración del film. Al igual que en sus demás obras, la narrativa de Tarkovsky busca antes que el entretenimiento, la contemplación y la meditación. Se utilizan con frecuencia largas tomas que en ocasiones aparentan ir sin rumbo fijo, y cuyo objetivo parece ser el de desacelerarnos y encaminarnos hacia un ambiente de tranquilidad y reflexión.

A pesar de evidentemente pertenecer al género de ciencia ficción, Solaris es un film que (sin dejar de lado el aspecto científico) se basa más que todo en los dilemas filosóficos del ser humano.

Kris Kelvin paseando por la pradera

La película empieza siguiendo al psicólogo Kris Kelvin (Donatas Banionis), el protagonista de la historia, dando un paseo por una pradera, para luego llevarnos al interior de una casa donde descubrimos que este está a punto de partir hacia una estación espacial que se encarga de investigar al misterioso planeta Solaris, donde al parecer, están ocurriendo fenómenos inexplicables. Una vez allá, Kelvin descubre que el único tripulante al que él conocía y esperaba encontrar se ha quitado la vida, y que en la estación solo quedan otros dos científicos que no quieren discutir sobre el tema, pero que le aconsejan que no se exalte por lo que pueda ver pues debe recordar que “ya no se encuentra en la tierra”. Esa noche Kelvin despierta para encontrar a su esposa, Khari (Natalya Bondarchuk), quien murió hace diez años, sentada junta a él en su cuarto, y es aquí donde empiezan las preguntas sobre los misterios de la mente y del ser, sobre qué es lo que hace a alguien humano y el dilema moral que implica la decisión de vivir o no en una fantasía nostálgica.

Kris y Khari

El director, Andrei Tarkovsky, logra que el espectador se sienta tan confundido como el protagonista de la historia con respecto a lo que ocurre a su alrededor. Existe en todo momento una sensación de misterio envolvente, de peligro implacable, y de seriedad y gravedad hacia lo desconocido de la situación. Todo esto es quizá conseguido gracias y en parte al silencio parcial de la película (no hay música, solo diálogos y efectos de sonido) y a lo inusual de la propuesta fotográfica.

Estación de Solaris

Tarkovsky logró expresar en Solaris una profundidad artística y filosófica en una narrativa de bases científicas, generando un film que posee un aire distinto a lo convencional y una habilidad para proyectar en el público una de las interrogantes más ignoradas: la vida, el amor y la consciencia, ¿son también parte de lo desconocido e inexplorado?

Reseña: Donnie Darko

Donnie Darko fue el primer largometraje escrito y dirigido por Richard Kelly, a quien sin duda no le faltó ambición al realizarlo, pues es un trabajo brillante que busca intrigarte desde la primera mirada y no darte descanso en ningún momento, ni siquiera en la última imagen.

En cuanto al género de este film se pueden decir muchas cosas distintas, quizá que es de ciencia ficción, que juega con el surrealismo, que se trata de un thriller psicológico, que es de misterio, de romance, un drama o hasta una comedia, pero sería un error encasillarlo en un solo género, en dos o incluso en tres.. y quizá sería mejor simplemente decir que puede escabullirse y adoptar muchos géneros narrativos distintos, pero sin llegar a ser un enredo.

Frank

 

El protagonista, Donnie (caracterizado por Jake Gyllenhaal), es un adolescente que está siendo atormentado por la extraña figura de un hombre en un traje de lo que a simple vista parece ser un conejo de otro mundo. Desde el primer momento en el que Donnie tiene esta visión aterradora, se dan los primeros pasos hacia el tema de fondo del film: los viajes en el tiempo (o algo así); pero si bien el espectador no lo entenderá hasta después (tal vez mucho después), Gyllenhaal logra mantenerlo interesado y expectante con una actuación que podría fácilmente confundirse con un sufrimiento y angustia interior y real del actor.

Donnie Darko catapultó la carrera de Jake Gyllenhaal

 

Pero si bien la actuación de Gyllenhaal fue un punto fuerte en la película, Richard Kelly no se queda atrás. Es impresionante lo que pudo lograr en su primer film, sobre todo siendo este uno de carácter independiente. El guión es extremadamente original y creativo, sorprendentemente extraño, oscuro pero con un toque de comedia. Esta es sin lugar a dudas una película con una
esencia particular y única que no volveremos a encontrar otra vez en el futuro.

 

Tres películas de Ingmar Bergman

Ingmar Bergman fue un gran director sueco que dio más de un vistazo a los rincones más recónditos del alma humana y que logró adaptar estas miradas e imágenes a la pantalla grande.

Siempre supo cómo desenterrar nuestras emociones más olvidadas a través de sus distintos personajes atormentados, y la razón de esto es que estos eran espejos de su persona y de cualquier otra.

A pesar de escribir sus guiones y filmar exclusivamente en su idioma natal, fue nominado muchas veces y consiguió varios premios que ayudaron a que su arte se expandiera alrededor de todo el mundo.

Este post está aquí para apoyar con lo que pueda a este ideal.

Aquí, tres películas seleccionadas de Ingmar Bergman:

Bibi Andersson (izquierda) y Liv Ullmann (derecha)

 

No es posible hablar de Bergman sin mencionar Persona, quizá su obra maestra, quizá su mejor película, no lo sé (en estas cosas no se puede afirmar), lo que sí sé es que no hay razón para dejarla pasar. La palabra Persona como título logra explicar de forma general lo que vendrá, y ya desde las primeras imágenes sabemos que el film hará lo posible para abarcar la fuerza de esta.

 

Bengt Ekerot como La muerte y Max von Sydow como Antonius Block (El Caballero)

 

Esta, si no me equivoco, vendría a ser la película más famosa de Bergman, y la foto de El Caballero jugando ajedrez con La Muerte una de las más icónicas del cine. Una película que se posiciona en la era medieval, en los tiempos de la peste negra y las cruzadas, y que narra una historia con los temas más primarios de la filosofía humana: la vida y la muerte.

 

Ingrid Thulin y Victor Sjöström

 

Esta película toma como tema el sentimiento de la nostalgia, las memorias a las que el ser humano trata de prenderse para no caer y, suele ser por esto, uno de sus films más emotivos. Quien lo mire será encaminado en una travesía por el tiempo, los recuerdos y los sueños.

¿Qué película deberías ver hoy?

Para el primer post de este nuevo blog dedicado al cine de autor, les presento un título del que estoy seguro muchos de los que leen estas líneas, si es que no han tenido ya el gusto de disfrutarlo, han oído nombrar por lo menos una vez; y es que se trata de una película que, con ya unas cuantas décadas de vida, es considerada un clásico de culto. El filme en cuestión es la tan extraña y a su vez magnífica creación del genial David Lynch, Eraserhead.

Jack Nance interpreta a Henry Spencer

Como ya dije, se trata de una película de prestigio de la que seguro han oído nombrar de boca de alguno de sus conocidos o quizá leído en algún “top de películas clásicas que debes ver” y que tal vez les haya llamado la atención pero, ¿han llegado a verla? Si eres de los que necesitan un pequeño empujón para decidir de una vez si hacerlo o no, este post está aquí para ayudarte (y está libre de spoilers).

Primero que todo si te gustan las películas de terror, entonces este filme no te decepcionará. Vale decir que el género con el que se suele etiquetar a Eraserhead es el de horror surrealista; no puedo decir que te vaya a asustar o hacer saltar de tu asiento como las películas de horror de hoy en día tan llenas
de efectos especiales y screamers, pero sí logrará dejarte al menos inquieto y quizá hasta turbado gracias a la impecable atmósfera del film que se genera por la combinación de tomas insólitas, música y efectos de sonido inquietantes, y la tan peculiar y original trama.

La atmósfera del film es como la de ninguna otra.

Pero si no estás interesado en el género de horror por una u otra razón, puedo suponer al menos que, como te encuentras leyendo un blog enfocado al cine de autor, tienes al menos un mínimo interés en este como un arte audiovisual, ¿cierto? Bueno, esa es justamente la categoría en la que se ubica Eraserhead. Es arte en todo sentido. Visualmente el film es estupendo, los paisajes mezclan el horror del cine clásico con lo onírico y se siente un ambiente de pesadilla casi palpable de principio a fin. Sin duda alguna una película única en su clase que debes ver por lo menos una vez en tu vida si te consideras un amante del cine.

Oh, ¿y mencioné que Stanley Kubrick le confesó a David Lynch que esta era su película favorita?

Porque así fue.